Abbattere il tempio della lirica: la rivolta linguistica di Ivan Pozzoni in Lo Stato Pontificio

In Lo Stato Pontificio (Edizioni Divinafollia, 2026), Ivan Pozzoni trasforma il libro poetico in un territorio di scontro, in cui il linguaggio si misura con istituzioni culturali, gerarchie editoriali e forme di consacrazione che regolano la vita letteraria italiana. Il titolo offre subito la chiave di lettura della raccolta: lo Stato Pontificio non è soltanto un riferimento storico, ma l’immagine di un potere che distribuisce riconoscimenti, stabilisce appartenenze, custodisce il canone e amministra la legittimità artistica. Cardinali, curiali, pontefici e oppositori diventano così le figure di una rappresentazione satirica che mostra la letteratura come un sistema di relazioni, interessi e conflitti.

Il volume, tuttavia, non si limita a mettere in scena questa opposizione: ne elabora anche i presupposti teorici. La sezione iniziale, Il nuovo «paradigma» an-estetico: il tardomodernismo letterario. Cadorna è sotto Porta Pia; espone, infatti, una precisa dichiarazione di poetica. Pozzoni individua nel tardomodernismo una possibilità di superamento tanto del postmodernismo quanto dell’ipermodernismo, proponendo un diverso rapporto tra arte e società. Il passaggio decisivo è espresso nella formula secondo cui «la ποίησις, nel tardomoderno, si è fatta πρᾶξις»: la poesia cessa di essere concepita principalmente come produzione di un oggetto estetico autonomo e viene ricondotta alla dimensione dell’azione, dell’intervento e dell’interazione sociale.

È una posizione radicale, che investe non soltanto le forme della scrittura, ma anche il ruolo dell’autore, del critico e del lettore. La parola non dovrebbe più limitarsi a sedurre o a suggerire una contemplazione estetica: deve agire, disturbare, mettere in crisi abitudini interpretative consolidate. Non a caso, Pozzoni descrive il tardomodernismo come una pratica che «annichilisce ogni forma di ontologia» e sostituisce l’ontologia e la fenomenologia estetiche con una prospettiva socio-antropologica. Al centro non c’è più la ricerca di un’essenza universale della poesia, bensì la capacità del testo di intervenire nella realtà e di produrre una risposta.

Questa impostazione teorica trova nella raccolta una traduzione coerente, sebbene volutamente contraddittoria, sul piano stilistico. Il libro procede attraverso accumulazioni, bruschi cambi di registro, contaminazioni linguistiche, neologismi, giochi fonici, citazioni colte e incursioni nel lessico colloquiale e triviale. L’italiano viene attraversato da latino, greco, inglese e cirillico; la terminologia filosofica e sociologica convive con riferimenti alla cultura popolare, allo sport, alla televisione e al mercato editoriale. La lingua non cerca l’armonia, ma la collisione. Il suo movimento è quello di un discorso che vuole sottrarsi alla compostezza del lirismo tradizionale e alla prevedibilità delle forme poetiche riconosciute.

Il programma viene dichiarato senza mediazioni in La cirrosi empatica: «Dobbiamo cacciare a calci nel culo i mercanti dal Tempio dell’arte». L’immagine biblica viene abbassata e brutalizzata, trasformandosi in un manifesto polemico. Il tempio non è più il luogo consacrato della bellezza, ma uno spazio occupato da interessi economici e meccanismi di legittimazione. La scelta di un’espressione volutamente aggressiva non è un semplice ornamento provocatorio: costituisce il tentativo di infrangere la distanza reverenziale che circonda le istituzioni culturali. La dissacrazione investe contemporaneamente il potere e il linguaggio con cui quel potere si rappresenta.

Il bersaglio principale è lo «Stato Pontificio» della letteratura italiana, inteso come sistema di relazioni tra editori, riviste, critici e autori. Nel canone non mi diaconizza; Pozzoni affronta direttamente la questione dell’appartenenza alla tradizione. La sua formula più incisiva è anche un paradosso: «rinunciare al canone con un anti-canone significa creare il canone dell’anti-canone». La consapevolezza è importante perché riconosce il rischio insito in ogni gesto di opposizione: chi combatte un sistema può finire per riprodurne le strutture, sostituendo alle vecchie autorità nuove gerarchie e nuovi criteri di esclusione. La rivolta, per restare tale, deve dunque rivolgersi anche contro la possibilità di trasformarsi in un’altra ortodossia.

Eppure, l’autore non rinuncia a rivendicare una genealogia letteraria. Quando dichiara di inserirsi nella «linea lombarda Dossi/Lucini/Chiara/Erba/Pozzoni», costruisce un’appartenenza che contraddice, almeno in parte, il suo rifiuto del canone. Questa tensione non è un dettaglio marginale: costituisce uno dei nodi più interessanti del libro. Pozzoni vuole sottrarsi alle classificazioni imposte dall’esterno, ma al tempo stesso riconosce nella tradizione una possibilità di continuità e di legittimazione. Il suo gesto non consiste, quindi, nell’abbandonare ogni genealogia, bensì nel rivendicare il diritto di sceglierla e riscriverla autonomamente.

Anche la figura dell’autore viene sottoposta a un processo di smascheramento. In L’introspezione mi introverte, Pozzoni afferma: «Io sono abituato a guardarmi “fuori”». La dichiarazione rovescia l’idea romantica della poesia come esplorazione privilegiata dell’interiorità. Al ripiegamento autobiografico, all’espressione sentimentale e alla ricerca di una voce autenticamente individuale viene contrapposta un’attenzione rivolta ai rapporti sociali, alle dinamiche di potere e ai meccanismi che condizionano la produzione artistica. L’io non scompare, ma si presenta come figura combattiva, ironica, esasperata, continuamente impegnata a costruire e demolire la propria immagine.

Il confine tra teoria e autobiografia diviene così instabile. L’autore attacca l’egocentrismo della lirica tradizionale, ma occupa personalmente il centro della scena, trasformando la propria esperienza di esclusione, il conflitto con il mondo editoriale e la rivendicazione della propria originalità in materia poetica. La contraddizione è produttiva: il soggetto che dichiara di voler superare l’io lirico continua a servirsi di un io fortemente riconoscibile, esibito e iperbolico. La sua identità letteraria non viene cancellata, ma trasformata in una maschera polemica.

In questa prospettiva, la violenza verbale assume un valore strutturale. Insulti, oscenità, iperboli e immagini corporee interrompono deliberatamente il decoro della lingua letteraria. La provocazione non mira soltanto a scandalizzare: vuole sottrarre il discorso poetico alla neutralità apparente dei linguaggi istituzionali. L’autore ricorre alla carnevalizzazione, al rovesciamento gerarchico e alla degradazione comica per ridurre la distanza tra il potere e il corpo, tra il prestigio culturale e la sua dimensione materiale. Il risultato è un linguaggio che alterna densità teorica e brutalità espressiva, costruendo un attrito continuo tra ciò che viene detto e il modo in cui viene detto.

Questa strategia raggiunge una delle sue formulazioni più esplicite in La generazione del catetere, dove Pozzoni ironizza sulla scrittura priva di organizzazione semantica e sulla presunta libertà di accostare parole senza assumersi la responsabilità delle relazioni che le legano. La sua polemica investe, dunque, anche le avanguardie e le forme di sperimentazione che si esauriscono nell’incomprensibilità. La richiesta di «clearity», ricorrente nella sezione teorica, indica la necessità di rendere riconoscibile il funzionamento del testo e di ricondurre l’esperimento linguistico a una precisa intenzione pragmatica. Non ogni oscurità, per l’autore, costituisce di per sé una conquista estetica.

Il lettore viene coinvolto in questo dispositivo come destinatario di un attacco e, contemporaneamente, come interlocutore chiamato a reagire. La scrittura mira allo spaesamento, all’irritazione, alla risata e al dissenso; non concede facilmente una posizione contemplativa. La poesia diventa un evento relazionale, un urto che si consuma nello spazio tra chi scrive e chi legge. È questa la funzione della strategia che Pozzoni definisce riot: una rivolta linguistica che non si accontenta di rappresentare il conflitto, ma cerca di produrlo attraverso il testo.

La raccolta, tuttavia, presenta anche un rischio evidente. L’insistenza dell’invettiva può trasformare la provocazione in un meccanismo ripetitivo; la sovrabbondanza dei riferimenti e l’accumulo di bersagli possono talvolta rendere meno distinguibili le diverse linee del discorso. La parola, concepita come arma, rischia di esaurire la propria forza nell’esibizione della potenza offensiva. Quando ogni istituzione è corrotta, ogni avversario incompetente e ogni dissenso una forma di complicità, lo spazio della complessità critica tende a restringersi. La rivolta, per mantenere la propria efficacia, deve misurarsi anche con il rischio di irrigidirsi nella posa del rivoltoso.

Ma è proprio questa tensione tra progetto teorico, performance autobiografica e aggressione satirica a rendere Lo Stato Pontificio un libro che non può essere letto soltanto come una raccolta di testi polemici. L’opera mette in scena il problema della legittimità artistica e interroga il rapporto tra autonomia e riconoscimento, tra libertà espressiva e istituzione, tra critica e autorità. Il suo bersaglio non è esclusivamente una determinata cerchia letteraria: è il meccanismo attraverso cui un sistema culturale stabilisce ciò che può essere riconosciuto come arte e ciò che deve restarne ai margini.

Nelle pagine finali, la battaglia conserva la propria dimensione collettiva. In La battaglia non è persa, pareggiamo i conti, l’autore invita a superare le divisioni dell’opposizione e a costruire un contraltare al regime culturale denunciato. La rivolta individuale tenta così di trasformarsi in un progetto condiviso, sebbene il tono agonistico continui a dominare la rappresentazione del conflitto.

Lo Stato Pontificio è, in definitiva, un libro volutamente urticante, in cui la scrittura diventa strumento di contestazione e la teoria si espone al rischio della propria stessa pratica. Pozzoni non chiede al lettore di riconoscere una bellezza pacificata, ma di confrontarsi con un dispositivo che mette in crisi le convenzioni del gusto, le gerarchie letterarie e le forme consuete della critica. La sua scommessa è affidata alla capacità della parola di interrompere il consenso e rendere visibili le strutture che governano la produzione culturale.

La domanda che il volume lascia aperta è se la rivolta possa davvero sottrarsi alla costruzione di un nuovo potere. È anche la domanda che impedisce di ridurre il libro alla sola invettiva: dietro la caricatura dello Stato Pontificio si intravede il problema, più ampio, di una letteratura che cerca di liberarsi dalle proprie istituzioni senza rinunciare a incidere nello spazio pubblico. La forza dell’opera risiede proprio in questa contraddizione: voler abbattere il tempio della consacrazione artistica e, nello stesso tempo, rivendicare per la parola una nuova capacità di trasformare il mondo.